민태홍 Min, Taehong

민태홍- 한국의 보기드문 다목적 아티스트

글: 홍가이(Cambridge대학교 미술철학과 교수)

민태홍화가의 독창성과 창의성의 원천으로서의 다양성

민태홍 화가는 확실히 오늘날 한국에서 가장 생산적인 예술가 중 한 사람 입니다. 끊임없이 그리고 강렬하게 존재하는 생산적이라는 의미는 여러가지 다른 원래의 방향으로 그의 창의적인 레퍼토리의 경계를 확장시키는데 몰두해 왔으며, 이들 모두는 전체 한국인의 잠재 의식의 깊은 층에 숨겨진 원래의 전통적 한국인의 창의적 자원의 숨겨진 보물을 드러내기 위해 고안 되었습니다. 한국처럼 엄격하게 기계적으로 분류된 사회에서 민태홍 화가는 이미 다 짜여진 범주의 칸막이에 틀에 박히게 본인이 분류되는 것을 거부합니다. 예를 들어, 한국에서 활동하는 모든 한국 화가는 '서양화의 화가' 또는 '동양화의 화가'로 분류되고 이것은 다른 예술가들의 분야에도 마찬가지로 적용됩니다. 민태홍 화가는 한국 미술계에서 드문 예외 중 하나이며, 두 가지 예술 세계분야에서 '동양화'와 '서양화'사이의 눈에 보이지 않는 실제 경계를 넘어 섰습니다.

민태홍화가는 기술적으로나 다른 방법으로 뛰어난 다양성을 자랑합니다. 그는 최고급 품격의 전통적 스타일의 '동양'그림을 제작할 수 있으며 동시에 현대적 추상화의 '서양'그림을 창조해 낼 수 있습니다. 그의 독창성은 ‘동양’과 ‘서양’을 동시에 작품속에 투여하지만 그러나 그 작품들은 그 어느 분야에도 속하지 않기에 더욱 빛을 발합니다. 그러므로 그 작품들은 ‘동양’과 ‘서양’ 그림의 전통적인 경계를 뛰어 넘는 완전히 새로운 독창적인 현대 예술을 창조하는 데 있어 민태홍 화가만의 예술적 그림의 업적을 이루었습니다. 이것은 아마도 다음과 같은 방식으로 설명 될 수 있습니다.

그의 최근 그림 중 일부는 표면위에 서양 추상 표현주의의 다양성이나 '컬러 필드'그림처럼 쉽게 오인 될 수 있습니다. (그러한 의미에서 그의 많은 그림들은 소위 "단색화" 또는 한국인 버전의 '단색화'그림으로 분류 될 수 있는데, 그의 버전은 단색화에서 누락 된 실질적인 (존재론적으로 실제적인 의미에서) 무언가를 가지고 있습니다. 사실, 그 이유 때문에, 이러한 "단색화" 예술가들은 조르지오 아감벤 (Giorgio Agamben)이 자신의 저서에서 같은 책 제목을 가진 "Man with Content (콘텐츠를 가진 사람)" 라고 불려지는 가장 아쉽게도 아첨하지 않은 언급이 될 수 있는 바로 그 사람들이 될 수 있습니다.

민태홍 화가의 작품에서 육안으로 볼 수있는 것은 보이지만 존재론적으로는 실질적으로 존재하는 것 이상으로 존재합니다. (이 보이지 않는 현실은 어떤 종류의 육안으로도 숨겨 지거나 보이지 않고 감지 할 수없는 물리학에서 '잠재력'이라고 불리는 것에 비유 될 수 있지만 그럼에도 불구하고 이 잠재력은 예를 들자면 그 잠재력이 자석에 의해 발생되는 것처럼 이론적으로 현실적입니다. 민태홍 화가의 추상적 서양식 그림에 보이지 않는 것은 물질적 실제성으로서 소위 “기(氣)- 에너지” 맥동이라고 불려집니다. 그의 작품은 모두 에너지 또는 빛 입자의 물질파에 관한 것입니다. 그것이 그가 자신을 “빛의 예술가”라고 부르는 이유입니다. 내가 민태홍 화가라면, 그를 모니커(닉네임)에 하나의 말을 더 추가하여 그를 “빛 입자의 예술가”라고 부를 것입니다.
이 용어의 일부 확장 된 의미에서, 하이 아트(Hi Art)는 하나의 거대한 우주 혼돈(Cosmic Chaos)에, 혼돈적으로 교차하고, 모든 종류의 광파를 상호 간섭하고, 셀 수없이 많은 수십억의 숫자의 빛 입자만이 있는 우주론적 기원(Cosmological Origin)에 관한 것입니다. 빅뱅의 순간, 빛의 입자들, 그들 각각의 개별 입자들, 우주의 역사(우주론적 온도로서) 를 모두 포함하는 그들 각각은 또한 무한한 시간과 무한한 거리로서의 '무한대'의 내재적 양상 또는 개념을 포함합니다. 모든 광파는 '우주적 무한대'의 우주 파입니다. 민태홍 화가의 작품이 모두 에너지 파동인 광입자파에 관한한, 그 빛의 입자들은 '우주적 혼돈'(이 용어는, 새로운 개념의 주화로 라우제 (Delauze)와 가타리(Guattari)의 철학적 사고에서 처음 등장했다)의 측면을 포착하고 민태홍 화가의 캔버스에 매우 한정된 범위 내에서 우주적 무한대를 포착합니다. 그렇다면 민태홍 화가의 작품은Greenbergian의 모더니즘 버전에 명백한 모순으로 나타나는 Gilberg Deleuz버전의 "현대주의"에 대한 전형적인 "현대주의자"작품입니다.

(한국인의 토착적인 개념에 대한 한국인의 단색화가들에 대한 비난에도 불구하고 실상은 서구의 개념을 그대로 비밀리에 적용하였기 때문에 한국의 단백화는 사실상 개념적으로 역사적으로 오인된 모더니즘의 구식 버전을 기반으로한다는 점에 주목해야 합니다.)
간단히 말해서 민태홍 화가의 예술적 추구에 또 다른 중요한 측면이 있는데, 이는 한국인 벼락부자가 부패한 부르주아의 취향이라는 의미에서 '패션'이라는 훨씬 더 세련된 단색화 화가와 그를 구별되게 합니다.
많은 단색화 화가가 사실 오래 된 서양 근대주의 Greenbergian 버전의 이데올로기 시대의 추종자라면, 민태홍화가는 Deleuzean 버전과 같은 새로운 현대주의에 더 가깝습니다.

또한 최근 몇 년 동안 민태홍 화가의 전통 공예 관련 작품에서 가장 흥미로운 최신 예술 창작의 진화가 이루어졌습니다. 이 새로운 작품에서 민태홍 화가는 신라 또는 고려 시대 에 금가루 를 사용한 한국 불교그림에서 영감을 받았습니다. 민태혼 화가는 현대 한국 불교 이미지들의 현대화 된 (따라서 동시에 세계화되는) 버전에서 매우 정교한 금 분말 적용 기술을 얼마나 능숙하게 채택하여 21 세기의 감성과 관련이있는 작품을 만들어 내는지에 대해 그저 놀라움을 금할 수 없습니다.
미술의 세계, 특히 한국의 경우,“장인의 기술”과 “일반적인 기술”은 “창조적 인 예술”이 아니라 단순히 적용되는 예술로서 멸시를 받아왔습니다. 나는 세계 예술계, 특히 한국의 소위 응용 공예에 대한 이 설득력있는 편견에 동의하지 않습니다. 이것은 우리가 시인이며 철학자인 윌리엄 블레이크(William Blake)에 의해 영감을 받은 윌리엄 모리스(William Morris)와 러스킨(Ruskin)과 같은 사람들이 이끄는 “예술과 공예 운동(Art and Craft Movement)”이라는 이름으로19 세기 후반 한때 전 세계적으로 중요했던 예술 / 사회 / 문화 운동을 거슬러 올라가서 다시 생각하게 합니다.
이 사상은 산업 발전으로 인해 남성과 여성이 자신과 자신의 영적 소외와 황폐로 자신을 잃어버린 새로운 도시 문명을 가져 왔습니다. 19 세기 말에는 이미 대량 생산과 대량 소비 시대가 시작되었습니다. 산업 생산은“예술적 창조”를 포함하여 거의 모든 분야의 인간 노동 분야에서 장인 정신을 쓸모 없게 만들었습니다.

산업 정신은 "예술을위한 예술"이라는 슬로건의 이름으로 아티스트 스튜디오의 창작 영역에 침투하여, 현대 산업 그림을 새로운 산업 자본주의의 인물들의 세련된 맛을 통해 원거리 객관적인 미적 감상의 대상으로 만들었습니다.순수 예술 작품을 고급 포도주의 소비와 동등한 소비의 대상으로 자발적으로 전환함으로써, 순수 예술 작품을 소모품 영혼없는 대상으로 상품화하는 것, 상류층 자본주의 고급 소모픔인 브랜드 이름인 구찌 가방과 뱃지와 동등한 수준의 소장품으로 전락해 버렸습니다. 그것이 현대주의나 포스트 모더니즘의 이름에 있든, 현대 산업주의 문명에 있든 그것이 기계의 산업주의이든 I.T. 또는 소프트웨어 기술의 경우이든 미술의 개념이 손상되어 정신이없는 / 무한의 허무주의로 부패하고 있었습니다. 그 때문에 칸딘스키(Kandinskys)와 그를 추종하는사람들은 간헐적으로 예술의 영적 갱신을 요구했습니다. 윌리암 모리스(William Morris)가 옹호했던 것처럼, 타락한 인간의 정신을 되살리려면 순수 예술의 창작 과정에서 장인정신을 재발견해야만 합니다. 그의 혁신적 운동이 실패한 이유는 그의 이념이 나빴기 때문이 아니라 때를 잘 못 만났기 때문이었습니다.
그러나 이제는 IT, AI 또는 기타 산업 버전에 관계없이 현대 (또는 동시대의) 문명은 이제 가장 나쁜 종류의 허무주의에 빠졌습니다. 이런 시점에서, 우리는 인간 본연의 영적인 내적 핵심, 즉 우리를 인간되게 만드는 것에 의존해야합니다. 이러한 영적 갱신의 예술은 한국의 서구화 된 가짜 한국 예술가의 작품이 아니라, 신자유주의 금융 자본주의의 본산인 뉴욕이나 런던 같은 소위 현대의 국제 센터에있는 세계적인 예술 분야에서 단순히 유행하는 것들을 용기있게 거부 한 사람들 사이에서 찾을 수있습니다.

Min Taehong, Korean Artist of Rare Versatility

By Kai Hong, Ph.D.
Min Taehong is surely one of the most productive artists in South Korea today. “Productive” in the sense of being ceaselessly and intensely engaged in expanding the boundaries of his creative repertoire in many different original directions, all of which are designed to bring forth the hidden treasures of ‘originally and traditionaly Korean’ creative resources, hidden in the deeper layers of Korean people’s collective subconscious. In a country, in a society which is rigidly, indeed mechanically, compartmentalized, as is the case in Korea, this artist refuses to be pidgeon-holed into any of the ready-made compartments. For example, Korea painters, all practicing painters are categorized (more or less officially certified) either as a ‘Painter of Western Painting’ or a ‘Painter of Eastern Painting’ and branded as such for the rest of their artists’ career. Min Taehong is one of the rare exceptions in Korean art world, who have been moving across the invisible but nevertheless real boundary between the two –namely, the ‘Eastern’ and ‘Western’ paintings worlds.
This man is remarkable in his sheer versatility, technically and otherwise: he is capable of producing traiditonal style ‘Eastern’ Painting of highest quality and at the same time he is also capable of producing ‘Western’ paintings of mdodernist abstraction. His originality shines through in the body of works that are simultaneously ‘Eastern’ and ‘Western’ in that they refuses to be categorized into either. They constitute therefore Mr. Min’s rare painterly achievement in coming up with an entirely new, original species of Contemporary Painting that transcends the traditional boundaries of ‘Eastern’ and ‘Western’ paintings. This can perhaps be explained in somewhat the following way:
Some of is recent paintings can be, on the surface, easily mistakien as the paintings of ‘Western’ varieties of abstract expressionism or even ‘color field’ paintings. (In that sense, many of his could be classified as the so-called “dansaekhua” or Korean version of ‘monochrome’ painting, exept that his version has something substantial (or real) that is missing from dansaekhua paintings. Indeed, precisely for that reason, those “dansaekhua” aritsts are the very ones whom Giorgio Agamben called “Man with Content” in his book by the same title, not a flattering reference, to say the least.) In Min’s works, there are beyond and above what are visible to the naked eyes something invisible but ontologically subtancial or real. (This invisible reality can be compared to what is in physics called ‘potential forces’ that are hidden, invisible and undetectible to the naked human senses of any kind; but, nevertheless, this potential forces are ontologically real in that they can be triggered by a magnet, for instance.) What are invisibly present in Min’s abstract Western-style paintings is the so-called “Qi-energy” pulsations as material reality. His is all about Energy or matter waves of Light particles. That is what is meant when he calls himself “an Artist of Light.” If I may, he should have added one more word and call him “an Artist of Light Particles.” In some extended sense of the term, his is all about Cosmological Origin when there was nothing but Light Particles in on cosmic chaos, chaosmically mutually intersecting, interfering Light Parcle Waves of all sorts, zillions of uncountable number of them. Born in that moment of Big Bang, the Light Particles, each individual particles of them, all contain the cosmic history, each of them thus contain the notion of ‘infinite’ –the sense of infinite time and infinite distance as well. All light waves are cosmic waves of the ‘cosmic infinite’. Insofar as Min’s works are all about light particle waves, each as matter energy waves, they capture the aspects of ‘cosmic chaosmos’ and thereby capture the cosmic infinite within the very finite confines of his canvas. To that extent, then, Min’s works are the quintessential “modernist” works in the sense of Gilles Deleuze’s version of “modernism” which was presented in explicit contradistiction to the Greenbergian version of modernism.
In a nutshell, there’s another important aspect to Min’s artistic pursuits which sets him apart from the much more fashionable, fashionable at least to South Korean nouveau-riche corrupt bourgeois tastes, dansaekhua painters. If many dansaekhua painters are in fact mere followers of the by now out-dated Western modernist ideiology of Greenbergian version, Min’s is closer to a modernism that is alternative to theirs.
Then, too, there has been what is to me the most interesting newest artistic-creative evolution in recent years in his works of traditional craft-related works. In these new works, Min has been inspired by Shilla or Koryo Kingdome period Korean Buddhist Paintings gold powder. It is amzing how skillfully Min adopted the very refined techniques of gold powder application in his own modernized version of traditional Korean Buddhist images, thereby making his works relevant to the 21st century sensibilities. In the world of the fine arts, and especially so in Korea, the “craftmanship” and “craft in general” is looked down upon as being merely applied as opposed the being ‘creative art’. I, for one, disagree with his rampant prejudice against the so-called applied crafts. It is high time that we go back and rethink what was once an important worldwide Artistic/Social/Cultural Movement of the late 19th century by the name “Art and Craft Movement” led by such people as William Morris, inspired by the poet/philosopher William Blake. The idea was that industrial development brought about a new urban civilization in which men and women lost themselves in spiritual alienation from their own selves and from one another. The tail end of the 19th century was already the beginning of the mass production and mass consumption age. Industrial production made craftsmanship obsolete from nearly all spheres of human labor, including “Artistic Creatiion.” The industrial spirit penetrated the creative sphere of the Artists’ studios in the name of the slogan “Art for Art’s sake,” making modernist paintings mere objects of the refined taste in the personages of the new industrial bourgeois, voluntarily turning the works of fine arts into objects of consumption on the par with the consumption of the fine wine –the commodification of the works of fine arts into the consumable souless objects, mere collectibles on the par with the brand-name Gucci bags, the badge of bourgeois class of fine consumption. Whether it is in the name of modernism or postmodernism or whatever else, in modern civilization of industrialism, whether it is of machines or I.T. Softwares, the notion of fine arts has been corrupting and decaying into spiritless/souless nihilism. That is why the Kandinskys or his likes after him have intermittantly called for the spiritual renewal of the Arts. In order to revive the deadened human spirit, it is imperative that we rediscover the mastercraftmanship in the creative processes of the fine Arts, as William Morris once advocated. His movement failed, not because his ideas were bad; it was merely that it was unseasonable. But, now, modern (or contemporary) civilization, whether of IT, AI or whatever other industrial versions, we have now gone too far into the baddest kind of nihilism. In such a season, we are bound to turn to the spritual inner core of the humanity, what makes us human. Such arts can be found in Korea, not among the Westernized pseudo Korean artists but among those who have courageously refused to go along with what are fashionable in the global art maket places in such so-called international centers of contemporary arts as New York or London, the seat of Neoliberal Financial Capitalism. f the humanity